なぜJ-POPの最新巨大ステージはバーチャルなのか

今シーズンの日本の大型アリーナ公演に足を運べば、ステージに立っているのが人間ではなくキャラクターである可能性は十分にある。モーションキャプチャーとリアルタイムエンジンによってライブで描き出されるバーチャルパフォーマーたちは、いまや全国ツアーのヘッドライナーを務め、グッズは完売し、従来のアイドルグループやロックバンドと並んでフェスのラインナップを飾っている。10年前には珍しい見世物でしかなかったものが、J-POPライブシーンの日常的な文法として定着したのだ。

技術は物語の半分にすぎない。リアルタイムレンダリングエンジンとステージトラッキングシステムは、手頃で信頼できるレベルにまで進化し、制作チームは投影型あるいはLED搭載のアバターを、生演奏のミュージシャン、照明のキュー、カメラの切り替えと遅延なく同期させられるようになった。この信頼性は重要だ。観客は多くのことを許すが、バンドとズレてしまうパフォーマーだけは許さない。2時間にわたってイリュージョンが保たれれば、観客はそれを小細工とは思わなくなる。

第二の要因はアリーナ公演の経済性だ。バーチャルアクトは過酷なスケジュールをこなし、複数の都市に登場し、ツアーの合間に新しい衣装や演出で再構成することもできる。人間のツアーを制限する肉体的負担がないからだ。制作会社はアバターをレパートリーの役柄のように扱うことを学んだ。ミュージカルがキャラクターを再演するように、ツアーサイクルごとに刷新するのだ。ファンにとってそれは、大阪で観る公演が東京公演の劣化コピーではないということを意味する。意図的に異なるバージョンなのだ。そしてコレクターたちはそれに気づく。

具体例を見れば、このフォーマットがいかに多様になったかがわかる。ひとつはボカロ系のコンサートだ。合成音声をフルバンドと投影キャラクターに組み合わせ、観客がステージに向かってメロディを歌い返すコールアンドレスポンスは、映像上映というよりロックショーに近い。もうひとつはモーションキャプチャーのアイドルユニット。実際のパフォーマーの動きや表情がリアルタイムでアバターを動かすので、観客はデジタルの身体をまとった生パフォーマンスを観ていることになる。そしてハイブリッドな対バン形式。アバターアクトが人間のバンドの前座を務め、両者がバックバンドを共有することで、前座とヘッドライナーの境界が曖昧になる。

なぜ、特に今なのか。ストリーミングは、愛する声に会える顔が必要とは限らないという考え方を当たり前にした。ショート動画は、観客がプラットフォームをまたいでキャラクターを追いかけることに慣れさせ、パンデミックの数年間は、プロモーターにほぼどんな状況でも上演・配信できるショーを作ることを促した。そうした習慣は定着した。いまチケットを買っている世代は、アバターを説明を要する珍品ではなく、ごく普通のセレブリティとして育ってきたのだ。

こうしたアクトをめぐるファン文化には独自の質感がある。ファンコミュニティによって緻密に調整され、何千もの光がアリーナ全体でひとつの色を形作るペンライトの振り付け。衣装チェンジの予想、セットリストの発掘、開場の何時間も前にできるグッズの列。そして、何をもってライブとするかをめぐる、実に温かな議論。パフォーマーとはアバターなのか、それを動かす人間なのか、バンドなのか、それともループを完成させる観客なのか。ほとんどのファンは最後の答えにたどり着く。

ファンにとってそれが意味するものは、議論が示すよりシンプルだ。参入障壁は低く、スペクタクルは大きい。だからこれらのショーは、若いリスナーにとって最初のアリーナ体験として自然な選択となる。代償は、チケットがすぐに動き、制作が厳格に管理されていること。バーチャルアクトを追うには、行き当たりばったりよりも準備が報われる。ツアー発表は締め切りだと思って臨み、ペンライトのキューは行く前に覚え、歌い返す準備をして会場に入ろう。ステージはデジタルかもしれないが、会場はそうではないのだから。